Источник
ru_art links - LiveJournal.com
Выбор редакции
07 июня, 17:34

Сквер Андрея Петрова в Санкт- Петербурге.

  • 0

Есть на Петроградской стороне зеленый островок, в котором неслышно звучит заключенная в камень музыка. Несколько оригинальных скрипок-скульптур вплетают в городской шум свои мелодии.В 2005 году писатели, художники и музыканты стали сажать в этом месте,  предназначенном под застройку, деревья. В результате - на Петроградке так и не появился еще один дом, но зато  появился еще один сквер.  А. П. Петров посадил тогда в сквере рябину.Фотография из интернета По инициативе «Зеленой Волны» в мае 2006 года вокруг рябинки была установлена декоративная изгородь, представляющая собой нотный текст песни А.Петрова «Голубые города».В 2008 году сквер был реконструирован и благоустроен. Скульптурная группа «Первая скрипка» из восьми скульптур (бронза, патина, высота от 1,1 м до 2,3 м), украсившая сквер, представила художественные символы миссии Композитора: «Скрипка – Яблоко», как символ искушения музыкой,«Скрипка-Туфелька» - символ музыкального эксперимента,Фонтан «Скрипка-Женщина» («Муза композитора») - символ вдохновения,«Скрипка-Кресло» («Трон Композитора») - символ музыкальной паузы,«Скрипка-Лебедь» («Реквием») - символ музыкального совершенства, «Скрипка-Граммофон» - символ музыкальной классики Фотография из интернетаи две идентичные скульптуры «Скрипка-Сфинкс», расположенные у входа в сквер,  символы охраны музыкального наследия.  Фотография из интернетаФотография из интернетаТут же рядом, со стены дома 28 Каменноостровского проспекта, смотрят на каменные скрипки четыре лика, четыре гения. Это Стена Столетий - память  о череде столетних юбилеев великих деятелей культуры.В настоящее время  на Стене Столетий можно увидеть памятные знаки, посвященные Сальвадору Дали, Даниилу Хармсу , Дмитрию Шостаковичу и Дмитрию Лихачеву.Барельеф  Даниила Хармса  на "Стене столетий" (Каменноостровский пр., 26-28). Скульптор К. Миллер. Открыт 18 дек. 2005 г..Скульптор Миллер лепит Хармса в виде восклицательного знака в темноте. Открытие памятника прошло в духе самого Хармса - с  Митьками и клоунами, а  сам автор "монумента" Кирилл Миллер предстал перед почтенной публикой с презервативом на голове.Памятный знак Д. С. Лихачеву. Барельеф ученого на "Стене столетий" (Каменностровский пр., 26-28). Скульптор К. Миллер. Открыт в январе 2006 г.Памятный знак Д.Д. Шостаковичу. Рельеф, посвященный 100-летию Д.Д. Шостаковича. Установлен на "Стене столетий" на Каменностровском проспекте. Открыт 12 сентября 2006 г. Скульптор К. Миллер.Памятник С. Дали. Открыт 28 декабря 2004 г. Создан художником Кириллом Миллером в рамках проекта "Стена столетий".Барельеф представляет собой 12 одинаковых горельефных портретов Дали, отлитых из бетона и расположенных по часовой стрелке на фоне ромба. Выполнено непосредственно на брандмауэре дома № 28 по Каменноостровскому пр. Высота горельефа - 300 см.

Выбор редакции
30 мая, 11:56

Michael Taylor

  • 0

Выбор редакции
25 мая, 16:52

«Свет и тень. Экология - обиталище души»

  • 0

В краеведческом музее Коломны весной 2018 года проходила Межрегиональная выставка с уникальными экспонатами современной эмали «Свет и тень. Экология - обиталище души». В ней приняли участие эмальеры различных регионов России (Москвы, Санкт-Петербурга, Уфы, Минеральных вод, Ставрополя, Ярославля и др.).На выставке были представлены работы современных российских художников, работающих в технике горячей эмали. Это поистине элитарный и дорогостоящий вид искусства, в этой технике в России работает ограниченное число художников, ведущие из них заслуженно пользуются мировой славой.Москва Матько Евгений «Поцелуй Иуды» сталь, эмаль, 2016Ростов-на- Дону Лиховид Георгий Иванович «Арт-стул Василия Гусарова» (гор. Эмаль, сталь, дерево) 2011Искусство эмали – одно из самых древних изобразительных направлений. Его возраст более тысячи лет. Изначально оно начиналось как ювелирное и было призвано стать достойной заменой драгоценным камням, которыми неизменно украшались кресты, Евангелия, Библии и другие книги. Но постепенно оно нашло отражение в прикладном творчестве. Большой вклад в развитие данного направления внесли советские монументалисты.Титова Наталья «Сирин» эмаль, медь 2016Москва Киселёва Татьяна »Сотворение солнца и луны» перегородчатая эмаль , медь 2012Для Коломны данная выставка уникальна, так как никогда ещё в нашем городе не было такой полномасштабной экспозиции, где участвуют более ста художников. Среди авторов, представленных на выставке, академики, мэтры современной эмали – президент Российской Академии художеств Зураб Церетели, председатель Творческого союза России Константин Худяков, заслуженные художники РФ Александр Майоров и Георгий Лиховид, а также известные авторы Евгений Матько, Иван Бондаренко, Николай Вдовкин, Анастасия Агафонова, Александр Стоцкий и другие. Здесь же экспонировались работы студентов Московской художественно-промышленной академии им. С.Г. Строганова и Санкт-Петербургской государственной художественно-промышленной академии им. А.Л. Штиглица.Вдовкина Екатерина «Заброшенная деревня» 2017Антулин Михаил Мадонна XXI века коллаж, эмальС-Петербург Зуева Ольга «Белье» медь, горячая эмальМихайлов Денис «Тихое утро»Малинина Евгения «Олени. Экология» горячая эмаль дерево 2016Блинова Екатерина «Декоративное панно павлин» эмаль, медь 2016Веселкин А.Г. «Гребень» эмаль, медь 2015Щербаков Алексей «Рыба» сталь, эмальАгафонова А.Ю. «Духи воды» медь, эмальЯрославль Евдокимова Елена «Северная пальмира» медь, латунь, эмальХудяков К В «Глаз-Академия» эмаль, медьБлинова Екатерина «Журавли. Экология» эмаль, медьЛиховид Георгий Иванович «Алиса и птичья симфония» горячая эмаль, медьОганесян «Улитка» эмаль, медьЕвдокимова Е «Портрет» эмаль, медьХодырева Мария Юрьевна «Белая гейша» медь, эмаль, бамбукШауэрман Иван «Древо»Бондаренко Иван «Стрекоза» горячая эмальМосква Сергеева Светлана «Невозможное регги изнеженной флабелины на дне Черного моря» эмальБекетов «Покер» эмаль, медьГилязетдинова Гюльназ «Старинные подруги» эмаль, стальГилязетдинова Гюльназ «Бабочка прилетела» эмаль, сталь

Выбор редакции
16 апреля, 17:30

Выставка уличной графики «Дадим миру шанс».

  • 0

В Кремлёвском дворике Коломны проходит выставка уличной живописи «Дадим миру шанс». Автор работ, выполненных в стиле стрит-арт, художник Дмитрий Панфилов. Его оригинальные и искренние работы заряжают позитивом, несмотря на то, что большинство из них сделаны в черно-белых тонах. Это графические истории о любви, мире и людях. Название выставки не случайно созвучно одноименной песне Джона Леннона.Выставка «Дадим миру шанс» первая сразу в нескольких смыслах. Во-первых, это первая выставка в стиле стрит-арт, открывшаяся в Коломне под открытым небом. Во-вторых, это первая персональная выставка Дмитрия Панфилова. Историю, связанную с её организацией, рассказывает генеральный директор благотворительного фонда «Коломенский кремль» Виталий Хитров:« Экспозиция в Кремлёвском дворике не менялась десять лет. В своё время мы были первыми в городе, кто сделал подобный проект. Чудесные виды Коломны, к которым привыкли горожане. Их с удовольствием рассматривали, фотографировались на их фоне. Но за десять лет баннеры износились, выгорели на солнце. Да и просто уже нужно было обновление, тем более что идея оформления уличного выставочного пространства зрела у нас давно.»«Стимулом для её реализации стало знакомство с художником Дмитрием Панфиловым. Мы познакомились на каком-то неприметном екатеринбургском сайте. Работы Дмитрия меня очень зацепили. Собственно, я тогда даже не знал, его имени – в сети у него несколько ников, но нигде вы не найдёте художника Дмитрия Панфилова. Его никто не знает. Дмитрий из Самарской губернии, из посёлка Кинель. Ему 39 лет, он никогда нигде не выставлялся, работал в основном для зарубежных стоковых сайтов. Найти его было очень сложно, но я нашёл, написал и предложил сделать выставку.»

29 марта, 11:31

ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 12. Экспрессионизм.

  • 0

«Искусство не является придатком к канонам красоты, оно скорее результат того, что инстинкт и мозг могут зародить нечто вопреки всем канонам.» Пабло Пикассо Пришел ХХ век, с его войнами и революциями, надеждами и разочарованиями, бурными страстями и экзальтацией. На смену «созерцательному» умиротворенному импрессионизму и "сущностному" неспокойному постимпрессионизму, внесшим новое понимание в восприятие натуры, большой вклад в создание новых техник письма, в новое отношение к передаче цвета и света, пришло еще более яркое, но, на мой взгляд, более грубое и «необузданное» художественное направление – экспрессионизм (от лат. Expressio - "выражение"). Предвестниками, предтечами этого направления называют Ван Гога и Мунка, которого уже часто напрямую причисляют к представителям этого стиля. Но в полной мере экспрессионизм был порождением «сумрачного германского гения», расцветшего вдруг яркими красками, ломаными линиями, странными композициями, заглянувшего в душу зрителя, ужаснувшегося ее темным глубинам и вывернувшего их наизнанку. Я уже писала о нем раньше, а в прошлый раз мы закончили нашу тему разговором об одном из первых экспрессионистов, об Эдварде Мунке,оказавшим огромное влияние на современное искусство, продолжим тему кратким обзором тех изменений в портретной живописи, которые принес экспрессионизм. Фотография в ту пору уже исполняла функции документации и сохранения точного отображения персонажа, поэтому художественный портрет становится средством решения чисто художественных задач, отражает личный пристрастный взгляд художника на изображаемого человека, стремится эмоционально передать его внутренний мир, часто даже пренебрегая внешним сходством. Наступает эпоха таких художников, как Амедео Модильяни (1884-1920), итальянский художник и скульптор еврейского происхождения, страстно желавший признания, не получивший его при жизни, но ставший одним из самых дорогих художников в наше время. Мы безошибочно узнаем его работы по скульптурным линиям, длинным шеям, плоским лицам и часто закрашенным в глазах зрачкам. Его прозвище в среде художников "Моди" (от фр. maudit — проклятый) точно соответствовало его образу жизни, как будто на нем и вправду лежало проклятье: несмотря на то, что он родился в благополучной в прошлом семье, к моменту его рождения отец полностью обанкротился, мальчик родился слабеньким и много болел, а уже в 16 лет у него обнаружили туберкулез. После переезда в Париж юный Амадео обучался живописи, познакомился с художественным бомондом, начал пить пристрастился к наркотикам. Все в нем было «слишком»: «Слишком нищий даже для перебивающихся с хлеба на абсент собратьев по кисти, слишком пьющий даже для далеких от трезвости, слишком скандальный и буйный даже для нарушителей правил и попирателей ценностей, слишком беспутный — даже для пишущих проституток художников!» (https://artchive.ru/artists/227~Amedeo_Modiljani) Женщины его обожали, мало кто из натурщиц не заканчивал сеанс в его постели. Мы знаем о его отношениях с Ахматовой:«В черноватом Парижа тумане, И наверно, опять МодильяниНезаметно бродил за мной.У него печальное свойствоДаже в сон мой вносить беспокойствоИ быть многих бедствий виной.» Но главной женщиной его жизни, родившей от него ребенка и покончившей жизнь самоубийством после его смерти, будучи на девятом месяце беременности вторым ребенком, была художница Жанна Эбюртен.Умер Модильяни от туберкулезного менингита в больнице для бедных, хоронил его весь художественный Париж, а цены на его картины взлетели уже в день похорон… Покоится Амадео Модильяни на еврейском участке кладбища Пер-Лашез, в самой бедной его части. Испанский и французский художник, скульптор, график, дизайнер, основоположник кубизма Пабло Пикассо (1881-1973, имя которого состоит из 15 имен (Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис),интересен нам в нашей теме в основном «голубым» и «розовым» периодами творчества, в которых еще сильно сказывается влияние импрессионизма и постимпрессионизма. В «голубом» и «розовом» периодах люди, изображаемые на его портретах часто были грустными, а любимыми героями его картин были арлекины, тореадоры, музыканты.Биография художника хорошо известна, о нем много написано, снято несколько документальных и художественных фильмов (например: «Прожить жизнь с Пикассо» с Энтони Хопкинсом в главной роли). Я хочу еще сказать пару слов о кубистическом периоде его творчества, основоположником которого он считается, к которому он постоянно возвращался, хотя я не являюсь поклонницей этого направления. Превращение форм лица и тела в геометрические блоки, произвольное рассекание и «изламывание» фигур, отсутствие перспективы, монохромность палитры, невозможность узнавания изображенного человека – особенности, присущие кубизму - меня они не привлекают, но… смотрите сами. Мы продолжим разговор о Пикассо в следующей части, когда будем говорить о сюрреализме. А сейчас поговорим о немецких художниках, в творчестве которых наиболее полно и ярко проявилось отрицание форм, ценностей и вкусов, господствовавших в искусстве, срывание всех и всяческих масок, преобладание содержания над формой. «Пафос экспрессионизма исключал гармонию, соразмерность, композиционную, ритмическую или цветовую уравновешенность; произведение должно было не радовать глаз и слух, а будоражить, возбуждать и - еще лучше – потрясать.» (https://expressionism.academic.ru/473/Немецкий_экспрессионизм) В 1905 году в Дрездене немецкий экспрессионизм заявил о себе впервые в объединении «Мост» («Die Brücke»), просуществовавшем 8 лет, о котором мы уже говорили в прошлом, (я писала о нем тут: (http://vanatik05.livejournal.com/tag/%D0%96%D0%B8%D0%B2%D0%BE%D0%BF%D0%B8%D1%81%D1%8C.%20%D0%A4%D0%BE%D0%B2%D0%B8%D0%B7%D0%BC), поэтому сейчас затронем только нашу тему портрета, упомянув некоторых ведущих художников группы.Эрнст Людвиг Кирхнер (1880-1938), художник, график, скульптор, идеолог и автор программы группы, в которой отрицался реализм, импрессионизм и даже модерн. Пережив тяжелое потрясение от увиденного всего за два месяца своего участия в Первой мировой войне, пристрастившись к алкоголю и морфию, Кирхнер вынужден был провести некоторое время в психиатрической лечебнице. Основным жанром, в котором работал Кирхнер, был городской пейзаж, но и в портретах проявляются главные особенности его творчества - плоскостное изображение, сопровождаемое искажением формы и цветовой гаммы. Он считал, что картины это «самостоятельные существа из линий и красок, которые похожи на свои прототипы ровно настолько, сколько требуется, чтобы сохранялся ключ к пониманию изображённого». Судьба была некоторое время благосклонна к художнику: легкие, которые беспокоили его еще со времен войны, были подлечены, у него проходят выставки в Германии и Швейцарии он даже становится членом Прусской академии искусств. Но приход к власти нацистов положил конец благополучию многих людей искусства, творчество которых было объявлено «дегенеративным», 639 работ Кирхнера было уничтожено. В 1938 году его физическое и душевное здоровье резко ухудшилось, он опять вернулся к наркотикам, сломленный болезнью и обстоятельствами, художник покончил жизнь самоубийством.В 1906 году к группе «Мост» присоединился уже известный к тому времени акварелист, предпочитавший до этого считаться художником-одиночкой, Эмиль Нольде (Ханс Эмиль Хансен, 1867-1956), взявший себе в качестве псевдонима название деревни, где он родился. Он почти не писал портретов, так как избегал конкретики, главными его интересами была природа и библейские сюжеты, «изображения человека у него символичны, они находятся, как говорил художник, «по ту сторону понимания и знания» и «вне времен». (Статья Екатерины Деготь из книги "Художественный календарь 100 памятных дат", М., 1992 г.) Несмотря на то, что Нольде разделял идеи национал-социализма, поддерживал Гитлера и даже был членом НСДАП, это не спасло его от причисления к представителям «дегенеративного» искусства, его творчество было охарактеризовано как «искусство распада», и 1052 картины изъяты из музеев, он был изгнан из Прусской академии художеств, а в 1941 году фактически получил запрет на какую-либо творческую деятельность. Но даже все это не разочаровало его в национал-социализме. А после войны, несмотря на членство в нацистской партии, ему даже удалось, благодаря этим гонениям, избежать денацификации.В 1906 году к группе «Мост» присоединяется один из лидеров немецкого экспрессионизма, единственный из членов группы, получивший классическое художественное образование, к тому времени уже лауреат Саксонской государственной премии Макс Пехштейн (1881-1955).Несмотря на то, что к 1933 году он уже был членом Прусской художественной академии, входил в состав ее выставочной комиссии и был лауреатом Прусской государственной премии, ему запретили работать и выставляться, а в 1937 году исключили из Академии, 326 его работ были изъяты из музеев, а во время войны его дом был полностью разрушен в результате бомбежки и большая часть картин уничтожена. После войны Макс Пехштейн жил в Западном Берлине, был профессором в Высшей школе изобразительного искусства. Осенью 1911 года в Мюнхене появилось новое объединение художников-экспрессионистов «Синий всадник» («Der Blaue Reiter»), просуществовавшее всего 3 года, но оставившее важный след в истории искусства. (Я писала об этой группе тут: https://vanatik05.livejournal.com/tag/%22%D0%A1%D0%B8%D0%BD%D0%B8%D0%B9%20%D0%B2%D1%81%D0%B0%D0%B4%D0%BD%D0%B8%D0%BA%22) Ведущим организатором и теоретиком объединения, считавшим, что художник имеет право на субъективное восприятие реальности, даже полный отказ от фигуративности и переход к абстракции, был Василий Кандинский (1866-1944), представитель экспрессионизма, ставший впоследствии одним из основоположников абстракционизма.После окончания юридического факультета Московского университета и работы доцентом на этом факультете, потрясенный выставкой французских импрессионистов в Москве в 1895 году, Кандинский решает посвятить себя живописи и в 1896 отправляется в Мюнхен, считавшийся тогда одним из центров европейского искусства. И именно мюнхенский период, годы обучения, первые работы, создание "Нового объединения художников, Мюнхен", а затем и «Синего всадника» важны нам в нашей теме.Работая над этой темой, я наткнулась на интересную статью Sergey Kanivets, в которой он, рассматривая вот эту картину, приходит к выводу о том, что это абстракционистский автопортрет, на котором с большим трудом можно распознать в левой части изображение лица автора. Не знаю, не берусь судить, я вообще не решаюсь говорить на тему абстракционизма, поэтому о дельнейших исканиях Кандинского, о «биоморфных элементах, которые непринужденно чувствуют себя в пространстве картины, словно плавая по всей поверхности холста» у меня нет права рассуждать. Приведу лучше слова самого художника: "Абстрактное искусство создает рядом с "реальным" новый мир, с виду ничего общего не имеющий с "действительностью". Я этого пока не понимаю.Другом Кандинского и соучредителем объединения «Синий всадник» был немецкий художник Франц (Мориц Вильгельм) Марк (1880-1916).Всю свою жизнь он писал в основном животных, особенно лошадей, ланей и собак, он считал их высшими существами, старался смотреть на мир с их точки зрения. Он почти не писал портретов, но не сказать о нем пару слов нельзя.Уж больно трагически рано оборвалась его судьба - Марк погиб под Верденом за несколько дней до того, как приказ об освобождении с фронтов Первой мировой войны важных для страны художников поступил в часть. Так в возрасте 36 лет погиб талантливый художник, который считал, что «Искусство – ни что иное, как выражение мечты».Еще один участник объединения «Синий всадник» немецкий художник Август Роберт Людвиг Маке (1887-1914) был еще теоретиком и пропагандистом экспрессионизма.Маке был крупным, здоровым и жизнерадостным молодым человеком, в юности он был потрясен работами французских импрессионистов, изучал искусство Ренессанса, путешествовал по Италии, учился у Коринта. Сначала он с сомнением относился к творчеству экспрессионистов, но после посещения выставки Франца Марка заинтересовался этим направлением.«Он использовал в своих композициях принципы построения, позаимствованные у кубистов и художников «Всадника», но всегда оставался самостоятельным мастером.» (Ришар Л. Энциклопедия экспрессионизма.) К сожалению, многих своих замыслов и идей ему не удалось осуществить, как и у Марка, в его судьбу вмешалась война: в августе 1914 года он ушел добровольцем на фронт, 20 сентября получил Железный крест, а уже 26 сентября, в возрасте 27 лет, погиб в бою, останки его не были обнаружены.Еще один участник объединения «Синий всадник» немецко-швейцарский художник Пауль Клее (1879-1940) в отличие от многих художников того времени Клее был образцом поведения: никогда не злился, всегда был спокоен, был образцовым мужем и отцом, верным другом и обожаемым преподавателем.Родившись в семье музыкантов и получив музыкальное образование, он в молодости, уже став художником, продолжает подрабатывать в муниципальном оркестре Берна. Он был теоретиком авангардного искусства, утверждал, что рисунки детей и сумасшедших являются настоящим искусством. Скажу честно, работы Пауля Клее не производят на меня впечатления, я не получаю от их созерцания ни потрясения, ни удовольствия, но в таких случаях я говорю себе: «Значит ты еще не доросла до понимания этого искусства».А вот его страшная болезнь (склеродермия) и мученическая смерть вызывают мое сочувствие, а его огромное творческое наследие (около 9000 работ) и гонения на его искусство в годы фашизма – уважение. Австрийский художник, великолепный мастер портретов, особенно автопортретов, Эгон Шиле (1890-1918),уже с юности мало чем интересовался, кроме рисования. Он плохо учился, был нелюдим, ни с кем не дружил, только очень любил отца, сошедшего с ума из-за заражения сифилисом и рано умершего.Уже в возрасте 16 лет юный Шиле был принят в Академию изобразительного искусства, а несколькими годами позже поразил своим рано проявившимся талантом Густава Климта. На первой крупной выставке, организованной Климтом в 1909 году в Венской галерее, его картины висят рядом с работами самого Климта, Ван Гога и Мунка! Счет его женщинам потерян, он даже был арестован в одном маленьком городке за совращение малолетней, отделавшись тремя днями тюрьмы, но в его жизни были две любимые женщины, одна из них 17-летняя Валери Нойцель, бывшая модель Климта.Вторая стала его женой, но их семейная жизнь была прервана уже через несколько дней после свадьбы войной, а после нее им было суждено прожить только несколько месяцев – они умерли один за другим от эпидемии «испанки», когда художнику было всего 28 лет. О его жизни написаны романы, сняты фильмы, после него осталось около 300 картин и тысячи рисунков, его выставки проходят во многих ведущих музеях мира. Есть что-то завораживающее, пронзительное в его портретах, как будто люди, изображенные на них, заглядывают тебе в душу, они производят на меня почти такое же сильное впечатление, что и портреты работы Ван Гога.Пора поговорить немного и о французском экспрессионизме, одним из ярких представителей которого был Жорж Руо (1871-1958), родившийся в бедной семье в год Парижской коммуны, под грохот пушечных выстрелов наступавших прусских войск.Руо был одним из основателей Осеннего Салона в 1903 году, ему было близко творчество Ван Гога и Матисса, картины в начале творческого пути были часто на религиозные темы, но его интересовала жизнь людей, он ееизображает иногда в карикатурном виде, пишет портреты клоунов, проституток, простых людей... Часто он беспощаден к своим героям, и не пишет того, что должно понравиться публике, его интересует реальность, человек без маски, часто не только с голым телом, но и с обнаженной душой. Те, кого интересует творчество Руо, могут прочитать его подробную биографию тут: http://modernartconsulting.ru/2011/09/rouault-george/, у художника была долгая творческая жизнь успех и международное признание.Об одном из самых знаменитых русско-французских художников еврейского происхождения, прожившего почти 100 лет, начинавшего с наивного искусства и оставившего свой след практически во всех направлениях живописи 20 века и выработавшего свой собственный, всегда узнаваемый стиль, я не буду подробно говорить, все знают его биографию, он и сам описал ее в книге «Моя жизнь» – это Марк Шагал (1887-1985).Напомню только о главной особенности его творчества, как он сам ее определял: «Если бы я не был евреем, как я это понимаю, я не был бы художником или был бы совсем другим художником». Основные темы его творчества связаны с родным Витебском, любовью к родине и своему народу, со «взлетами» души и тела, религиозностью, а любимые цвета –зеленый (цвет жизни и обновления природы) и красный (цвет тревоги и беды). В его картинах на первый взгляд много мистики, но на самом деле это жизнь, увиденная глазами Марка Шагала.Еще один выходец из России еврейского происхождения, бывший десятым ребенком в бедной семье портного, живший и творивший во Франции, но считавший себя русским художником, ставший известным на родине благодаря Илье Эренбургу, первым написавшим о нем, был Хаим Сутин (1893-1943).Внешне он выглядел непривлекательно: худой, болезненный, нескладный, толстогубый и патлатый, всегда напряженный и отрешенный, а когда он рисовал, казалось, что рассудок покинул его – он не воспринимал внешний мир и не реагировал на него. Ничто, кроме живописи его не интересовало: жизнь впроголодь (1 франк в день от друга Модильяни), ночная работа грузчиком для оплаты учебы, случайные женщины, пьянство – ничто не могло быть для него важнее живописи, она была способом и смыслом его существования. «Хаим Сутин мог показаться кому-то дикарем, тронутым, неряхой и пьяницей, но в живописи он был аристократом и гением, человеком вольным, гордым и независимым. Его кисть вызвала к жизни картины, исполненные в суровом стиле. Он действовал как хирург, патологоанатом, лишенный сантиментов. Действовал убежденно и деловито.» (Г.Анисимов. «Жил-был художник Хаим Сутин») В какой-то мере пониманию его живописи поможет знание о том, что любимым писателем его был Бальзак, «до крови в глазах» разглядывавший мрак и нечистоты в душе человеческой, а любимым поэтом – Пушкин, с его стихами, взмывающими к вершинам духа. Умер Сутин от перитонита в оккупированном немцами Париже, провожал его в последний путь один только Пикассо. А двумя годами раньше в его родных Смиловичах погибли в гетто его родители. Хорошую статью о Хаиме Сутине, написанную Гр.Анисимовым, влюбленным в художника, можно прочитать тут: https://lechaim.ru/ARHIV/116/anis.htm. И последним из экспрессионистов, которого мы тут упомянем, был австрийский художник чешского происхождения, родом из известной семьи ювелиров, один из учеников Густава Климта Оскар Кокошка (1886-1980).Можно сказать, что в начале его творческой жизни ему сопутствовала удача – ему все давалось легко, несмотря на то, что его исключают из Художественной школы за непристойные картины и он остается без заработка, ему удается случайно познакомиться с богатым архитектором, А.Лоосом, который рекомендует его своим знакомым как портретиста. И ему действительно удавалось передать внутреннюю сущность изображаемых людей, как будто он видел насквозь и умел читать души. В одном из сражений Первой мировой войны он был тяжело ранен в голову и грудь, попадает в плен, теряет память, скитается, считается умершим, но выживает и выздоравливает, хотя и признается психически неуравновешенным, возвращается в Вену, становится профессором Дрезденской академии. С приходом Гитлера к власти и объявления многих художников представителями «дегенеративного искусства» Кокошка уезжает в Англию, а после войны живет постоянно в Швейцарии на берегу Женевского озера, выезжая иногда в Австрию для преподавания или участия в выставках. Интересно и просто написана биография Кокошки в статье Марии Микулиной «Безумный художник: история скандальной жизни Оскара Кокошки!» (http://www.maximonline.ru/longreads/get-smart/_article/kokoshka/), правда, почти без анализа его творчества.Завершая разговор по теме, скажу, что список художников-экспрессионистов насчитывает в общем около 180 имен, я выбрала 14 наиболее известных, творчество которых отражает основные черты экспрессионизма в живописи: субъективное видение картины мира, предпочтение эмоций и чувств рассудку, и как следствие отражение в творчестве своего эмоционального и чувственного мира, частое использование тем страха и боли, отторжения и одиночества. Эти чувства передавались на полотне с помощью резких смазанных линий , грубых мазках, несовместимых, казалось бы, цветовых сочетаний. «Можно сказать, что экспрессионизм - это новый виток в революции искусства, когда художники от просто копирования действительности всё больше уходили в авангардные техники, которые позволяют ярче выразить ощущения, эмоции, абстрактные чувства, переживания.» (http://art-assorty.ru/7859-ekspressionizm-v-zhivopisi.html).Как всегда, желающие могут посмотреть музыкальный видеоклип, в котором около 120 репродукций художников, упомянутых выше. Музыкальное сопровождение: А.Шенберг, Струнный квартет №4 Comodo, время просмотра – 8 минут. https://www.youtube.com/watch?v=efur67rncM4&t=20sСсылки: 1. http://expressionists.ru/ 2. https://artchive.ru/artists 3. https://www.kunst-zeiten.de/Expressionismus-Allgemein 4. http://www.kunstkurs-online.de/kunst-blog-msa/kunst-kunstler/maler-und-gemaelde-des-expressionismus/ 5. https://www.wikiart.org/ru

24 марта, 19:03

Выставка «Живопись». Михаил Шаньков. Часть I

  • 0

Как сказал художник: «С радостью и трепетом позвольте представить вам 160 моих произведений, среди которых этюды или мои "записки странствующего художника”, которые я писал по всему свету: в Европе и на Аляске, на острове Монхиган и в любимом селе Ширяеве. А еще покажу вам мои новые портреты и исторические композиции».Это первая персональная выставка московского художника, члена-корреспондента РАХ Михаила Шанькова в Коломне. Сама экспозиция, раскинувшаяся на все три зала Дома Озерова, поражает своей насыщенностью и разнообразием. Она содержит около 160 живописных полотен: от совсем небольших до крупномасштабных, занимающих всю стену. Творческий диапазон художника велик: портреты, библейские мотивы, события русской истории, лирические пейзажи России и Америки.М.Ю. Шаньков «Арльские платаны» к.м. 2007Шаньков Михаил Юрьевич родился в 1962 году в Самаре. Окончил Московское художественное училище памяти революции 1905 года; Московский государственный художественный институт им. В.И. Сурикова, мастерская портрета под руководством И.С. Глазунова. Защитил диплом картиной "Засадный полк" (частное собрание, г. Коломна. Вариант картины в Серпуховском Высоцком монастыре).«Биариц» к.м. 2017С конца 80-х гг. пишет портреты в России, Западной Европе и Северной Америке. Михаил Шаньков преподавал живопись, рисунок и композицию в Российской Академии живописи, ваяния и зодчества. В настоящее время преподаватель Московского государственного академического художественного училища Памяти революции 1905 года. Член профессионально-творческого союза художников и графиков России. Живёт и работает в Москве.«Замок в Виландри» к.м. 2011«Казаки в Париже» 2013«Монблан на рассвете» к.м. 2016«Крепость Пров» 2007«Яблочко» х.м.2017«Федор Шаньков» 2002«Золотой шатер» к.м. 2008«Инна Шанькова» х.м. 1999«Мостки» к.м. 2007«Вы ко мне писали» 2007«Христос в Гефсиманском саду»«Дочка» 1996«Отражение» х.м. 2017«Миражи на Патриарших» 2007«Переславль-Залесский» 2013«Двуглавый орел» х.м. 2017«Небо над Коломной» 2013«Сквозь листву» 2007«Красные крыши» 2011«Императрица Александра Федоровна» 2017«Император Николай II» 2017

Выбор редакции
20 марта, 21:17

Gerd Bannuscher

  • 0

А потом я увидел море. И когда солнце почти эротично облизывало стыдливо кутающиеся в туман горы, я шагнул в воду. И стоя по колено в этом мягком золоте, я вдруг понял, что у сказок тоже есть запах. Он сладко-мокрый, солено-пряный, солнечно-песочный, глубинно-теплый, он неописуемый и незабываемый. Я стоял в теплом море, чувствуя, как волны приносят к ногам удивительные в своем разнообразии ракушки, как медленно и настойчиво вода вымывает песок из-под ступней, словно бы сама стихия хочет забрать, слизнуть в свое чрево маленького человека, крупинку, неуверенно застывшую посреди невыносимого простора океана.А потом я вернулся. Словно бы проснулся после долгого, яркого и счастливого сна. И вернуться назад оказалось куда сложнее, чем остаться в волшебном царстве птиц навсегда. Вот и вся история. Ты спросишь, где же тут любовь? А ты присмотрись внимательнее. Она везде. http://www.gerd-bannuscher.de/galerie_eins/#

Выбор редакции
17 марта, 11:06

David Bowers

  • 0

Дэвид Бауэра современный американский художник и иллюстратор. В любой его картине всегда есть какое-то зашифрованное послание. Для него идея - это наиболее сложная и содержательная часть картины, а символизм - основной ингредиент в его работе.http://dmbowers.com/Картины Бауэра находятся во многих частных и государственных коллекциях по всей территории Соединенных Штатов и Европы, а также музее американской иллюстрации в Нью-Йорке и национальной портретной галерее в Вашингтоне, округ Колумбия.

12 марта, 22:36

Фабиан Перез (Fabian Perez)

  • 0

Художник Фабиан Перез (Fabian Perez) родился 2 ноября 1967 года в Аргентине. Любовь к искусству он перенял у родителей, хотя они не были профессиональными художниками. Перез преуспел на занятиях в художественном классе и по просьбе учителей расписал школьные стены фресками.Художника вдохновляет всякое проявление красоты. Он признаёт, что основное влияние на его творчество оказал отец, у которого было несколько ночных клубов. Атмосфера чувственности и романтизма, которая некогда впечатлила Фабиана, неизменно овеивает его женские портреты и клубные сцены по сей день.Также на его творческое развитие повлиял преподаватель боевых искусств, у которого Перез начал брать уроки в 18 лет. В том же году умер отец художника, а тремя годами ранее он потерял мать.В 22 года Перез переехал в Италию, где провёл семь лет. Всё это время он оттачивал мастерство и написал книгу «Reflections of a Dream», которая позже была опубликована в Соединённых Штатах.После Италии Фабиан Перез переехал в Японию, затем, наконец, перебрался в Беверли-Хиллз, где проживает в настоящее время.«Когда я рисую на холсте людей или места, я не просто изображаю внешнюю красоту. Я прикасаюсь к настроению текущего момента, которое мощно ощущается в моих мазках», – говорит художник.Его картины получили международное признание и с успехом продаются в Англии, США и других странах.

Выбор редакции
09 марта, 17:53

Oxana Yambykh (Оксана Ямбых)

  • 0

Родилась в г. Полтава, Украина. В семье, отец - художник, мать - преподаватель украинского языка и литературы. 1976 - 1980 - Обучение в детской художественной школе г. Днепропетровска 1983 - 1987 - Обучение в Днепропетровском государственном художественном училище по специальности "художник-оформитель" 1987 - 1992 - Обучение в Харьковском художественно-промышленном институте по специальности "интерьер и оборудование" 1992 - 1997 - Участие в ряде коллективных и персональных экспозиций в городах Украины 1997 - Начало работы во Франции 2002 - Вошла в союз "Дом художников" Франции Своими картинами Оксана иллюстрирует поэму о затерянной стране в её фантастическом мире, мире тумана и мечты. Шорохи, запахи, краски света и полутона ощущений - это река времени, текущая в долине жизни. В своей поэме Оксана рассуждает об устройстве мира и законах жизни, об относительности ценностей и желаний, о сложности простого и простоте сложного, о нас в нас самих. Все иллюзорно, все течет во времени, которого нет, нет будущего, нет прошлого, есть точка пересечения всех наших миров.

Выбор редакции
08 марта, 15:44

Andrew Wyeth

  • 0

Основная тема работ Уайета — провинциальный быт и американская природа. В основном, на его картинах изображены окрестности его родного города Чеддс-Форд, штат Пенсильвания, и города Кушинг, штат Мэн, где художник жил летом. Использовал темперу и акварель (за исключением ранних экспериментов с маслом).

Выбор редакции
13 февраля, 20:44

Техники гравюры. Литография.

  • 0

Летом 2017 года в главном здании ГМИИ проходила небольшая выставка, рассказывающая о литографии.Поль Синьяк «В век гармонии» Бумага, хромолитография ГМИИ им А.С. ПушкинаТехника литографии (греч. lithos – камень, grapho – пишу, рисую) была изобретена около 1796 года немцем Алоизом Зенефельдером. Не будучи профессиональным гравером, создатель нового способа печати изначально пытался придумать метод максимально быстрого тиражирования нот – музыка была одним из его увлечений. Однако изобретение новой техники изменило его судьбу, и уже в 1806 году Зенефельдер открыл первую в Мюнхене литографскую мастерскую, а в 1818 году издал первое руководство по литографии, ставшее учебным пособием для многих мастеров XIX века.Пьер Боннар «Триумфальная арка» 1899 Бумага, хромолитография ГМИИ им А.С. ПушкинаПоль Синьяк «Суда в Флессингеме» 1895г Бумага, хромолитография ГМИИ им А.С. ПушкинаПри разработке новой техники Зенефельдер исходил из того, что вода не взаимодействует с жиром. Для литографии брали известняковую доску, её поверхность выравнивали механическим способом. После этого художник наносил на доску изображение специальным жирным литографским карандашом или жирной краской при помощи пера или кисти. Камень с нанесенным рисунком подвергался воздействию смеси кислоты и гуммиарабика, которые протравливали лишь непокрытые жирной краской поверхности. После этого на доску наносили типографскую краску, которая ложилась лишь на линии рисунка и не приставала к тем участкам, что подверглись воздействию жидкого раствора. По окончании этого процесса можно было приступать к печати оттисков. Эдуард Мане «Баррикада» 1871г Бумага, литография ГМИИ им А.С. ПушкинаНовый метод позволял изготавливать и цветные литографии, или хромолитографии; их печатали с нескольких каменных досок, при этом каждая «отвечала» за определенный цвет.Анри де Тулуз-Лотрек «Мадемуазель Марсель Лендер (Стоящая)» 1895г Бумага, литография ГМИИ им А.С. ПушкинаТехника литографии завоевала большую популярность во многом благодаря возможности печатать большие тиражи, а также простоте техники, предоставлявшей большую свободу художнику в процессе нанесения рисунка на доску. Многие крупные мастера XIX–XX столетий активно работали в литографии, среди них Э. Делакруа, Т. Жерико, О. Домье, А. де Тулуз-Лотрек, М. Дени, П. Боннар, П. Пикассо, О. Кокошка, Э. Мунк, М. Ларионов, Н. Гончарова, Л. Кропивницкий.Анри де Тулуз-Лотрек «Жокей» 1899г Бумага,хромолитография ГМИИ им А.С. Пушкинаhttp://www.museum.ru/alb/